Полотно «Страшный суд” создавалось в 1896 – 1904 годах в числе других работ для Георгиевского собора в городе Гусь-Хрустальный Владимирской области по заказу крупнейшего заводчика и мецената Ю. С. Нечаева-Мальцева, который и строил этот собор. Художник выполнил несколько работ на религиозную тему, но «Страшный суд” должен был занять центральное место в соборе.
Художник сделал к картине большое количество эскизов, поэтому знакомые и друзья, видевшие эти эскизы в мастерской Васнецова, заранее проявляли к картине огромный интерес. Сначала художнику предложили картину экспонировать в Третьяковской галерее, но эта затея не удалась, так как габариты картины значительно превышали размеры помещения. Тем не менее такая выставка состоялась в феврале 1904 года в Историческом музее в Москве. Новое произведение вызвало многочисленные отклики в прессе, преимущественно восторженные.
Позднее картина вместе с другими, выполненными для собора, выставлялась еще дважды: в залах Академии художеств в Петербурге и вновь в Историческом музее в Москве.
Наконец, в 1910 году картины были доставлены по месту назначения и укреплены на стенах Георгиевского собора, где они ненадолго обрели покой.
А вскоре после Октябрьской революции служба в соборе была прекращена. В феврале 1923 года власти вынесли решение: «…пустующее помещение Георгиевского собора передать культурно-просветительному учреждению…”В первое же воскресенье были устроены в помещении храма танцы, играл духовой оркестр… Устраивались диспуты на тему:”Есть ли бог?” В дальнейшем собор использовали то под мастерские, то под кинотеатр.
Тем временем картины были вывезены во владимирский Успенский собор. Вывозили как придется, без соблюдения осторожности. Более того, картину «Страшный суд” накатали на большую жердь, разорвав внизу и наскоро зашив бечевкой.
А до этого он был сложен несколько раз и на сгибах потерся.
В 80-х годах прошлого века было решено вновь восстановить Георгиевский собор в Гусь-Хрустальном, а также вернуть на прежнее место картины Васнецова.
«Страшный суд” был в тяжелом состоянии. Поэтому его поручили реставрировать бригаде ленинградских реставраторов под руководством крупнейшего специалиста А. Я. Казакова, известного по восстановлению росписей Исаакиевского собора, Петергофа и Царского Села. Колоссальные размеры требовали большого помещения, поэтому реставрировали полотно в Екатерининском дворце г. Пушкина.
Работа, проведенная специалистами, была уникальной по объему и сложности. Цельный холст размером 700X680 сантиметров оказался проколотым более, чем в 70-и местах, имелись многочисленные разрывы краев, прорывы. Холст был серьезно деформирован, в результате образовались осыпи, отслаивания краски.
Около года велась напряженная работа. И вот специальная комиссия приняла работу с оценкой «отлично”. В 1983 году картина заняла свое место в Георгиевском соборе.
Художник воплотил в картине идею свободного нравственного выбора человека между добром и злом. Произведение было не просто иллюстрацией религиозного сюжета.. Перед ним каждый мог ощутить себя на месте неведомой души, ожидающей приговора высшего суда. Пришедшие в собор люди должны были задуматься и сделать «свободной волей” свой выбор «пути в жизни”. Васнецов красноречиво дает понять, что весы в руке ангела приходят в действие не только в момент Страшного суда.
Вся средняя часть картины воспринимается как огромные весы, на чашах которых толпы праведников и грешников, свет и тьма… «Вся история человечества есть борьба человека зверя с человеком духовным…”, писал художник.
Добро и зло в картине олицетворено в персонажах из русской и христианской истории. Среди праведников различимы фигуры византийских императоров Константина и Елены, княгини Ольги и князя Владимира, Александра Невского и Сергия Радонежского. Среди грешников – император Нерон, завоеватель Батый, восточные деспоты и римские кардиналы…
Одновременно введено много персонажей-аллегорий: Вера, Надежда, Любовь, София, Милосердие и другие – с одной стороны, а с другой – Алчность, Пьянство, Разбой, Гнев ит. д. Активно использованы тексты и надписи.
Религия, история, фольклор здесь сложно переплетены. Так, скупец проглатывает золотые монеты – он похож чем-то на репинского Ивана Грозного… Среди праведников изображены старик со старухой, словно перенесенные на Суд из русской народной сказки, а блудницы, помещенные за спиной Дьявола, напоминают персонажей салонной живописи…
Один из критиков много лет назад писал так:”Страшный суд” – ряд символов, порой мощных, порой слабых, но в общем неотразимых. Это – страшная оратория вне времени и пространства. Но это одно из тех немногих истинно художественных творений, которые стоит увидеть раз, чтобы запомнить навсегда”.
И он был прав…
Эта новгородская икона XVI века в 1930-х годах была легально продана за границу. Недавно ее выкупили и в 2004 году она была передана Владимиром Путиным покойному патриарху Алексию как дар для Воскресенского Новодевичьего монастыря. Сейчас образ находится в Казанском храме. Тема иконы – вселенский суд, который произойдет во время второго пришествия Иисуса Христа. На ней представлены картины конца мира, воскресения мертвых, адских мучений грешников и райского блаженства праведников. Изображения Страшного суда имели целью не запугать человека, но заставить задуматься над своими грехами и через покаяние прийти в Царство Божие.
Временем возникновения иконографии Страшного суда можно уверенно считать доиконоборческий период византийского искусства. Уже в VII веке существовали образы, связанные с темой суда над человечеством и посмертным воздаянием.
Иконографические источники, питавшие многосоставные и сложные «судные» образы, необычайно разнообразны. Ветхозаветные пророчества, Откровение святого Иоанна Богослова (Апокалипсис), творения святых отцов (например, Ефрема Сирина) давали обилие материала, который использовали художники. В Евангелии Господь говорит о Своем Втором Пришествии так: «…солнце померкнет, и луна не даст света своего, и звезды спадут с неба, и силы небесные поколеблются; тогда явится знамение Сына Человеческого на небе; и тогда восплачутся все племена земные и увидят Сына Человеческого, грядущего на облаках небесных с силою и славою великою; и пошлет Ангелов Своих с трубою громогласною, и соберут избранных Его от четырех ветров, от края небес до края их» (Мф. 24: 29-31). Следуя этому описанию, в верхней части икон Страшного суда всегда изображают Спасителя во славе, а в нижней части — трубящих ангелов, собирающих людей на суд. По обеим сторонам от Христа обычно восседают двенадцать апостолов, также участвующих в совершении суда. Богоматерь с Иоанном Крестителем предстоят Спасителю в молении за человеческий род. Ниже, по центру иконы, всегда изображается Этимасия, то есть уготованный для Судьи престол, на который положены книга (Евангелие) и орудия страстей Иисуса: губка, трость, копие. Одно из древнейших изображение уготованного престола встречается в мозаиках конца VII столетия в храме Успения в Никее. В дальнейшем в византийской и древнерусской живописи Этимасия стала важным элементом в составе композиций Страшного суда, но продолжала существовать и как самостоятельный символический образ.
Субтитры
Мы подумали, что можем начать с просмотра картины, считающейся самой известной в мире, и понять, возможно ли все еще что-то увидеть. Верно. Так как я видел ее ранее, даже посетил для этого Лувр. Да, вы правы. Это, наверное, самое известное полотно в мире. И я недавно читала, что большинство людей проводят 15 секунд в Лувре у этой картины — забавная статистика. Ну да, это напряженно, так как за вами стоит очередь. И, помимо всего, картина на самом деле на удивление небольшая. И теперь, когда я располагаю временем и могу не беспокоиться из-за очереди туристов за моей спиной и смотреть на реальную картину, детали просто бросаются в глаза. То, что ранее просто не замечал. — Например? — Например, пейзаж похож на ландшафт планеты Вулкан сериала «Звездный путь», нечто вроде. Вот этот горный пейзаж, а здесь, похоже, небольшой мост. Вот дорога. Похоже, я никогда не обращал на это внимания. Да, и не замечал кресла, в котором она сидит. Ее рука лежит на подлокотнике. Вообще, я никогда не замечал позади нее бортик, на нем кувшины. Можно продолжить перечисление… Мне нравится ваша аналогия с планетой Вулкан, я сама большой любитель «Стар Трека». На картине неземной, очень загадочный пейзаж. Но разве не интересно, насколько нижняя часть пейзажа на уровне шеи Моны Лизы и ниже выглядит необитаемой, с извилистой дорогой и мостом, однако рельеф, расположенный на уровне головы и выше еще загадочнее и очень похож на ландшафт другой планеты. Это точно. И, по сути, как вы сейчас отметили, это разделение картины на уровни ландшафтов и деление бортиком… У меня нет с собой линейки, но, похоже, это очень близко к золотому сечению. Вероятно, вы правы. Эти объекты, похожие на кувшины, находятся на нижней части колонн, обрезанных по обеим сторонам картины. То есть Леонардо да Винчи на самом деле нарисовал колонны, и потом их отрезали? Верно. Поэтому помещение, где находится Мона Лиза, имело бы больше смысла, как балкон. Знаете, все это вообще-то отступление. Мы начали с допущения, что это — и это верно — что, вероятно, это самая известная картина в мире, но полагаю, я так и не понял почему. То есть, это просто маркетинговый ход? Думаю, это произошло в 1911 году, когда полотно было украдено из Лувра и исчезло на пару лет, что сделало его печально известным. В 19 веке «Мона Лиза» не считалась самой популярной картиной Лувра. Полотна других художников, таких, как Тициан или Рафаэль, были гораздо популярнее и даже ценились больше как страховочный случай. Таким образом, возможно, только в 20 веке картина обрела такую значимость, как сейчас. 150 лет назад «Мона Лиза» не являлась неотъемлемой частью нашей культуры. Это было значительное произведение. Люди интересовались, писали о ней, выражали интересные мысли в ее адрес. Но такой знаменитой, как сейчас, картина не была. Также не стоит забывать, что технология ее репродукции появилась лишь в 20 веке — массовая цветная репродукция. Таким образом, ее распространенность увеличилась примерно за последние 100 лет. 150 лет назад не существовало такого понятия, как культовые полотна. Думаю, это может быть правдой. Были известные или значимые полотна, но не такие прославленные, каким сейчас является «Мона Лиза». Не настолько, чтобы любой прохожий мог узнать ее. Да. И, конечно, думаю, большинство людей в качестве самой примечательной черты в ней отмечают ее взгляд и улыбку, имеющие великое множество интерпретаций. Да, знаю. И я знаю, что это, похоже, одно из суждений, почему картина так популярна. И это заметно. То есть, люди любят гадать, усмехается ли она, счастлива ли она или грустна. Всё вместе. Когда она смотрит на нас, все эти чувства, которые люди пытаются ей приписать… Но, думается, они смотрят без всего того культурного наполнения, что я получил об этой картине. Она поражает своей притягательностью. И кажется очень хорошо технически исполненной. Есть нечто очень живое, некая аура вокруг ее лица. Не знаю, внушено ли нам желание узнать об этой картине… То есть, увидев ее в музее среди множества картин, был бы я поражен ею. Портреты действительно стали приобретать популярность в эпоху Возрождения в Италии в начале 15 века. Леонардо нарисовал ее во Флоренции. В период развития гуманизма. Одно из определений гуманизма — это интерес к человеку, к вещам этого мира, достижениям человека. Человеческая индивидуальность. Важность всех этих ценностей возрастает в 15 веке. Поэтому получает развитие портретная живопись. Вместе с расцветом состоятельного купеческого класса во Флоренции 15 века также стало больше людей, которые могли себе позволить и хотели заказать собственный портрет. Вначале люди изображались в профиль. Позднее, особенно в Северной Европе, такие художники, как Дюрер и Мемлинг, стали рисовать в более правдоподобной обстановке. — Верно. — Таким образом, Леонардо да Винчи, по сути, стал первым итальянским художником, который занялся этим. Используя масляные краски, которые были относительно новым материалом в итальянской живописи. А что было до масляных красок? Тогда применялась фресковая живопись, темпера. Темпера для живописи на панно. Здесь живопись маслом по дереву, тогда как раньше художники использовали темперу. Рисунок темперой выглядит более плоским, чем маслом, когда создается ощущение глубины и светотень. При выполнении трехмерных образов Леонардо применял еще одну технику — «сфумато», означающую «дымку», размытые очертания. Художник смягчает контуры вокруг форм, ведь именно они делают рисунок плоским. Еще один забавный момент в обсуждении «Моны Лизы» — это все то, что говорилось о ней на протяжении всего времени. Может, вам неизвестно, что Фрейд написал свое особое истолкование образа Моны Лизы. Не сомневаюсь. Я отношусь к нему скептически. Хотелось бы как-нибудь «истолковать его толкования». Но, конечно… Фрейд отметил, что улыбка Моны Лизы сочетает два варианта нашего представления о женщине в нашей культуре. С одной стороны, это аспект материнства и воспитания. С другой стороны, женщина-обольстительница. Думаю, это больше характеризует самого Фрейда. Может, вы и правы. И поздние художники, которых вы знаете, например, Дюшан… Дюшан… Мой любимый. Да, ваш любимый. Взял репродукцию и пририсовал Моне Лизе усы. Это в его духе. Думаю, усы — это интересно, так как в ее образе присутствует не только женское. Есть и нечто мужское. А что, как вы думаете? Полагаю, определенно есть… То есть сейчас это уже устарело, особенно потому, что это сделал Дюшан. Но есть нечто весьма забавное в женском образе с усами. Помню, мы все, будучи школьниками, это проделывали — развлекались. А на Моне Лизе они смотрятся особенно забавно. То есть взять нечто столь шедевральное и придать ему легкомысленности? Не так давно Музей Прадо в Мадриде обнаружил то, что по результатам некоторых научных тестов считается копией «Моны Лизы». Само по себе это не является необычным. Но выяснилось, что эта копия была выполнена другим художником, который, сидя рядом с Леонардо, копировал его мазки один за другим. Об этом можно судить по предварительному рисунку. Да, здесь она выглядит гораздо моложе. У нее видны брови. Это позволяет провести сравнение. Вот откуда такое странное чувство, потому что сама «Мона Лиза» порой смотрится недоброжелательной — желтоватый оттенок. Таким образом, картина имеет отличие. Лицо несколько другое, но можно представить, что цвета раньше не столь отличались. Определенно. И это интересный момент — как бы выглядела «Мона Лиза» после чистки. Была бы она столь значима для нас, насколько значима сегодня. Была бы… Я так не думаю, так как когда я смотрю на «очищенную» работу, она многое теряет в своей загадочности. Согласна. И тогда можно понять решение Лувра не проводить чистку картины. Да, очищенная картина выглядит лучше. Мона Лиза — моложе. Но она многое теряет в материнском аспекте, который Фрейд, похоже, приписывал ей. Да, так как цвета ярче, живее, они не такие приглушенные, как у полюбившейся нам картины. Да. Хотя ее репутация выросла со временем, никто не может предсказать, будем ли мы придавать ей такую же значимость в будущем. Возможно, наступит эра забвения. Subtitles by the Amara.org community
Искусство Нидерландов 15 и 16-го веков
Принято считать, что триптих выполнен в 1504 году по заказу наместника Нидерландов Филиппа Красивого (Габсбурга), хотя размеры указанного в документе произведения отличаются от размеров венского триптиха. Является самым масштабным из уцелевших произведений Босха. Сюжет не нуждается в пояснениях. Каждый современник Босха, будь то доверчивый безграмотный крестьянин или образованный бюргер, вероятно, понял бы значение почти всех деталей и безоговорочно принял на веру главную идею, хотя некоторые образы по своей новизне, наверное, показались бы ему чересчур пугающими и гнетущими. На эту тему было создано немало картин, отличающихся большой силой художественного воздействия, но ни один художник ни до, ни после Босха не обладал такой творческой энергией и способностью воплощать пугающее неведомое в столь фантастические образы. Это особенно видно по изображению преисподней. Если современники Босха полагали, что художник воочию видел этих чудовищ Ада, а затем точно изобразил их (а в Средневековье подобная возможность никого не удивила бы), то они, несомненно, были убеждены, что такого Ада нужно избежать любой ценой.
На картине неоднократно показаны все смертные грехи и очень много эротической символики. В центральной части триптиха число праведников, взошедших на голубую гладь небес, совсем невелико по сравнению с количеством осуждённых грешников. Очевидно, в этом проявилось пессимистическое видение художником будущих судеб мира. Явление Христа-Судии на радуге, в сиянии Славы, и Богоматерь, просящая за грешное человечество, – традиционные иконографические признаки этой темы. Художник демонстрирует поистине неисчерпаемую фантазию в мотивах адских мук, свободно оперируя масштабными соотношениями предметов и сочетаниями функционально несоединимых вещей; он использует, собственно, прием «отстранения», когда необычный, новый контекст и неожиданные смысловые пересечения заставляют человека иначе взглянуть на привычный мир.
На блюдце установлен мельничный жернов, приводимый в движение одними грешниками и давящий других. Любопытно, что и в народном сознании с мельницей были связаны, в основном, негативные представления. На картинах Босха грешники в аду часто представлены пронзёнными стрелами, копьями или ножами, что соответствует библейскому тексту пророчества Исайи о натянутых луках и заостренных стрелах, которыми будут поражены грешники в день Страшного суда. Нож, клинок, лезвие традиционно являются носителями сексуальных ассоциаций. В аду за разные грехи предусмотрены различные наказания: гневливых подвешивают на крюках, будто мясные туши; убийц поджаривают на сковороде, скупцов запекают в очаге – и всем этим с явным удовольствием занимаются чудовищные дьяволицы.