Содержание
Живопись в период Великой Отечественной Войны
С началом Великой Отечественной войны художники принимают самое активное участие в борьбе с врагом. Часть из них ушли сражаться на фронт, другие – в партизанские отряды и народное ополчение. Между боями они успевали выпускать газеты, плакаты, карикатуры. В тылу художники были пропагандистами, устраивали выставки, они превратили искусство в оружие против врага – не менее опасное, чем настоящее.
В течение войны было организовано много выставок, среди них две всесоюзные («Великая Отечественная война» и «Героический фронт и тыл») и 12 республиканских. В зажатом в кольцо блокады Ленинграде художники выпускали журнал литографических эстампов «Боевой карандаш» и вместе со всеми ленинградцами показали всему миру беспримерное мужество и силу духа.
Как и в годы революции, первое место в графике военных лет занимал плакат. Прослеживаются два этапа в его развитии. В первые два года войны плакат имел драматическое, даже трагическое звучание. Уже 22 июня появился плакат Кукрыниксов «Беспощадно разгромим и уничтожим врага!». Он обрушивал народную ненависть на вторгшегося противника, требовал возмездия, призывал к защите Родины. Главной была мысль об отпоре врагу, и она была выражена суровым, лаконичным изобразительным языком, независимо от творческих индивидуальностей.
Широко использовались отечественные традиции. Так, «Родина-мать зовет!» И. Тоидзе (1941) с аллегорической женской фигурой на фоне штыков, держащей в руках текст военной присяги.
Плакат стал как бы клятвой каждого бойца. Нередко художники прибегали к образам наших героических предков.
На втором этапе, после перелома в ходе войны, меняется и образ плаката и настроение на оптимистичное и, даже, юморестическое. B.C. Иванов изображает солдата на фоне переправы через Днепр, пьющего воду из каски: «Пьем воду родного Днепра. Будем пить из Прута, Немана и Буга!» (1943).
В годы войны появились значительные произведения станковой графики. Это и быстрые документально-точные фронтовые зарисовки, разные по технике, стилю и художественному уровню. Это и портретные рисунки бойцов, партизан, моряков, санитарок, командиров – богатейшая летопись войны, впоследствии переведенная частично в гравюру. Это и пейзажи войны, среди которых особое место занимают изображения блокадного Ленинграда. Так появилась графическая серия Д. Шмаринова «Не забудем, не простим!» (уголь, черная акварель, 1942), возникшая из зарисовок, которые он делал в только что освобожденных городах и деревнях, но окончательно завершенная уже после войны: пожарища, пепелища, плачущие над телами убитых матери и вдовы – все сплавилось в трагический художественный образ.
Особое место в военной графике занимает историческая тема. В ней раскрывается наше прошлое, жизнь наших предков (гравюры В. Фаворского, А. Гончарова, И. Билибина). Представлены также архитектурные пейзажи прошлого.
В живописи военных лет тоже были свои этапы. В начале войны – в основном фиксация увиденного, не претендующая на обобщение, почти торопливая «живописная зарисовка». Художники писали по живым впечатлениям, а в них недостатка не было. Не всегда удавалось задуманное, картинам не хватало глубины в раскрытии темы, силы обобщения. Но всегда была большая искренность, страстность, восхищение людьми, стойко выдерживающими нечеловеческие испытания, прямота и честность художественного видения, желание быть предельно добросовестным и точным.
В годы Великой Отечественной войны выдвинулось много молодых художников, они сами были участниками боев под Москвой, великой битвы за Сталинград, они форсировали Вислу и Эльбу и брали штурмом Берлин.
Конечно, в первую очередь развивается портрет, потому что художники были потрясены мужеством, нравственной высотой и благородством духа наших людей. Сначала это были предельно скромные портреты, лишь фиксирующие черты человека военной годины,– белорусских партизан Ф. Модорова и воинов Красной Армии В. Яковлева, портреты тех, кто боролся за победу над фашизмом в тылу, целая серия автопортретов. Обыкновенных людей, вынужденных взяться за оружие, проявивших в этой борьбе лучшие человеческие качества, стремились запечатлеть художники. Позже появились парадные, торжественные, иногда даже патетические изображения, как, например, портрет маршала Г. К. Жукова работы П. Корина (1945).
В 1941–1945 гг. развивается и бытовой, и пейзажный жанр, но они всегда так или иначе связаны с войной. Выдающееся место в формировании и того, и другого в военные годы принадлежит А. Пластову. Оба жанра как бы объединены в его картине «Фашист пролетел» (1942).
Выставки пейзажистов в годы войны говорят об осмыслении ими пейзажа в новом образе, принадлежащем суровому военному времени. Так, эти годы сохранили и почти документальные пейзажи, ставшие со временем историческим жанром, как «Парад на Красной площади 7 ноября 1941 года» К.Ф. Юона (1942), запечатлевший тот памятный для всех советских людей день, когда бойцы прямо с заснеженной площади шли в сражение – и почти все погибли.
Не лишена определенной плакатности, столь чуждой искусству живописи, и картина А.А. Дейнеки «Оборона Севастополя» (1942), созданная в дни, когда шел «бой… святой и правый, смертный бой не ради славы, ради жизни на земле». В самой теме причина огромного эмоционального воздействия картины.
Знаменательно, что дух войны, пронизанность одной мыслью – о войне – передается художниками иногда в характере простой жанровой картины. Так, Б. Неменский изобразил женщину, сидящую над спящими бойцами, и назвал свое произведение «Мать» (1945): она может быть и матерью, охраняющей сон своих собственных сыновей-солдат, но это и обобщенный образ всех матерей тех воинов, что сражаются с врагом.
Через обыкновенное, а не исключительное изображает он повседневный подвиг народа в этой самой кровопролитной из всех бывших на земле войн.
В последние годы войны одно из лучших своих живописных произведений создали Кукрыниксы, обратившись к образу древности – Софии Новгородской как символу непобедимости русской земли («Бегство фашистов из Новгорода», 1944–1946). Художественные недостатки этой картины искупаются ее искренностью и подлинным драматизмом.
К концу войны, намечаются изменения, картины становятся сложнее, тяготеют к многофигурности, так сказать, «разработанной драматургии».
В 1941–1945 гг., в годы великой битвы с фашизмом, художниками было создано немало произведений, в которых они и выразили всю трагедию войны, и прославили подвиг победившего народа.
Великая Отечественная в живописи прошлого и настоящего: каноны, «табу», скрытые смыслы
(53 фото)
Нужно сделать дополнительный акцент на том, что все размышления, приведенные ниже, ни в коем разе не пытаются проводить историческую ревизию, предполагая лишь культурологический или даже антропологический взгляд на живопись, посвящённую Великой Отечественной.
Начнём с самого, пожалуй, удивительного и примечательного: далеко не все рода войск представлены на полотнах в одинаковой пропорции. Даже так: очень мало родов войск представлено на «классических» изображениях в принципе. Доминирующую часть батальных и околобатальных полотен занимает пехота. Это справедливо и понятно – именно советская пехота приняла на себя основной удар, переносила все тяготы службы, совершала великие подвиги. Но разве без поддержки других родов войск смогла бы она достичь тех успехов, которых достигла?
Итак, чаще всего на полотнах представлена пехота, реже – моряки, ещё реже – партизаны, иногда – медсёстры. Диверсанты, связисты, минёры – лишь вкрапления на уровне погрешности. Но допустим, что все они затерялись в той самой пехотной каше и идут в бой наравне с остальными, хотя это, безусловно, умаляет их профессиональный подвиг. На картинах небатальных можно увидеть медсестёр и солдаток, матерей и детей, узников концлагерей, жителей оккупированных территорий и блокадного Ленинграда.
Довольно часто на полотнах встречаются артиллерийские расчёты. Как на общих планах, наряду с пехотой, так и самостоятельно. Частый сюжет – одинокая пушка, которая ведёт неравный бой с превосходящим противником. Артиллеристы измождены, из последних сил они, неполным составом заряжают и наводят орудие, бьют по неприятелю. Знакомо? Ещё бы. Этот образ известен многим и благодаря советским кинолентам, но о фундаментальной, корневой связи кино и живописи мы поговорим ниже.
А как же дела обстоят с механизированными родами войск? Да почти никак. Возможно, вы подумаете, что такого не может быть, но это правда. Любая советская техника от танков до самолётов, от систем залпового огня до эсминцев представлена на картинах единичными, как будто случайными полотнами. Здесь нужно сделать ещё одну оговорку: под живописью в данном случае не понимается иллюстрация и рисунок. Для детско-юношеской литературы в изобилии поставлялись простенькие воздушные бои, изображения кораблей и танков. Но почему же всего этого нет на картинах «серьёзных» художников?
Танки в советской довоенной живописи встречаются пусть не часто, но регулярно. С 20-х годов и до самого начала 40-х, изображённых участвующими в советско-финской войне. Дальше же начинается лакуна – танки сходят с полотен, чтобы появляться на них изредка и на фоне, позади пресловутой пехоты. Иногда можно встретить подбитые машины, иногда показывается, как солдаты въезжают «на броне» во взятый город, приветствуемые местными жителями, но непосредственно в бою, где советские танкисты второй половины войны проявили себя блестяще, их практически не запечатлевают. Знаковой в этом смысле можно назвать картину «Утро танкистов», где танкисты изображены… без танков. И тут становится совершенно непонятно, как была выиграна Курская битва и вообще вся война. При помощи полутора танков на фоне? А как же легендарные тридцатьчетвёрки? Могучие Исы?
Но если танки в советской живописи присутствуют хотя бы фрагментарно, то самолёты и корабли не представлены, как будто, вовсе. Морская пехота – есть, парадные портреты лётчиков – есть. А их боевых железных товарищей нет. И это если не вспоминать про подводников… Можно попробовать списать подобный феномен на то, что поначалу СССР не мог оказать полноценное сопротивление в воздухе, а на море так и вовсе достиг скромных успехов. Но если бы не было Кожедуба и Покрышкина, если бы не было черноморского и других флотов, состоялась бы та самая Победа?
Самолёты и корабли изображаются фоном, как игрушечные, ничего не значащие силуэты. А ведь они сдерживали противника в воздухе, эвакуировали окружённых и выбрасывали десанты. Англичане с американцами целый фильм «Дюнкерк» посвятили далеко не самой духоподъёмной операции, где действуют как раз авиация и флот. Те же англичане и немцы в живописи не пренебрегают механизированными частями – их полотна найти не проблематично. Тогда в чём же дело?
Версия о травматизме после первых крупных поражений в столкновении с противником и отставание по технической части не выглядит слишком реалистичной – пехота поначалу также показывала не слишком большие успехи, отступая почти до самой Москвы. Возможно, причину следует усматривать в том, что в отсутствие людей трудно создать драматический сюжет? Всё те же английские баталисты-маринисты из далёкого 19-го века готовы дружно оспорить этот тезис. Поэтому наиболее очевидным кажется мотив персонализации войны, соотнесения её с конкретным человеком и человеком вообще. Но это может быть не столько самоцелью, сколько, характерным для советского искусства, уходом от зрелищности.
Сражение мощных линкоров, захватывающие воздушные бои, массированные танковые атаки – всё это в первую очередь зрелища. Тут уместно вспомнить о параллелях с кино. Сколько было снято картин о лётчиках, подводниках и моряках? Пальцев на руках, наверное, хватит пересчитать. И то, большее внимание в них традиционно отводилось не сражениям, а переживаниям героев. Возвращаясь к живописи, мы приходим к очередному удивительному открытию: на полотнах наступательные боевые действия (даже если забыть о технике) представлены не так часто. Самые яркие, красочные и живописные сражения преподносят зрителю не классические картины, а диорамы. Если не включать их в список, он оскудеет на две трети.
Отсюда следующее и напрямую связанное с кино следствие. Кто не наступает, тот обороняется. И действительно, огромный массив полотен живописных и киношных сходен, как две капли воды. Герои ценой своей жизни задерживают наступление противника. Были ли такие эпизоды в реальности? Были, и в огромном количестве. Но можно ли выиграть войну только отступая? В СССР снимали безусловно прекрасные драматические, душераздирающие кинокартины о войне до последнего человека, задержании врага ценой собственной жизни и героическом отступлении, вроде «Аты-баты, шли солдаты», «А зори здесь тихие…» и «Они сражались за Родину». Список можно продолжать очень долго. Но как много снято картин о геройском наступлении, сминающем врага? Сколько фильмов, кроме грандиозной пенталогии Озерова «Освобождение»?
Просматривая картины о Великой Отечественной несколько часов подряд, можно заметить абсолютную схожесть сюжетов и поймать себя на мысли, что раз за разом героически отстаивающие свои позиции солдаты оказываются в Берлине абсолютно неожиданно. Вот они в окопах встречают немецкие танки, а вот уже на своих танках оказываются в столице врага. Мощная монтажная склейка, не так ли? Безусловно, если сгустить краски и склонить чаши весов в обратную сторону мы получили бы на выходе что-то среднее между американским блокбастером и советским агитплакатом, этакий комикс о Капитане Красная Армия. Но этого, к счастью или к несчастью, не случилось.
Вероятно, именно в вышеперечисленном и кроется то сакральное евтушенковское: «…хотят ли русские войны?». Не сама война, как бы к этому не относиться, занимает художников, а человек посреди войны, отдающий, жертвующий, превозмогающий и побеждающий, как будто не убийством врага, а силой собственного духа. Соответствовал ли такой подход нормам соцреализма или запросу общества – не столь важно. Советское искусство отразило не глумливое бравурное веселье, а спокойное светлое и тяжёлое одновременно превозмогание, где главной наградой были не пляски на костях соперника, а… возвращение домой.
Именно возвращению посвящены одни из наиболее пронзительных картин, касающихся темы Великой Отечественной. Встреча с жёнами и детьми, матерями и друзьями; первый взгляд на свой дом, от которого пришлось прошагать тысячи километров. Вместо Праги, Вены и Берлина – родная деревня, вместо Вислы, Одера и Рейна – безымянная речушка. Весеннее расцветание природы и пробуждение жизни после пятилетней зимы-войны. Конец войны может быть описан очень разнообразно: вот толпа, ликующая у Рейхстага, вот мальчишка на лошади, везущий в родную деревню газету с радостными известиями, вот пара влюблённых, отбросивших автоматы, лежит на траве, молча глядя в весеннее небо…
Современные художники смотрят на тему несколько иначе. Безусловно, одна часть продолжает «классическую» советскую линию, «расширяя» её в плане изображений военной техники. Другая же, в иносказательной манере пытается переосмыслить человеческие потери, принесённые войной. Бережное, трепетное, новаторское, на грани магического реализма, размышление, где краски приглушены, а ярким вспышкам огня противопоставлен полумрак полузабвения. На таких картинах большое внимание уделяется связи поколений, её надорванности и невосполнимости; незаживляемости этой рваной раны.
Со временем художественные представления о Великой Отечественной войне будут меняться, как менялись они и при СССР, где со временем «классической» школе были противопоставлены работы Гелия Коржева, выполненные на грани экспрессионизма и сюрреализма и безжалостные изображения инвалидов войны от Геннадия Доброва. Живой, неостановимый поток мысли и формы создаст новое видение и даст новые ответы на старые вопросы, как и полагается искусству.
История одного шедевра: «Новая Москва» Пименова
Вторая половина 1930-х. Москва бурлит: с одной стороны, — закручивание гаек, репрессии и ужасы застенок, с другой, — обновление, бурное строительство, прогресс. Идеологически, конечно, все это шло под одним лозунгом созидания светлого будущего. Это нашло отражение в одном из самых известных полотен советских художников — «Новая Москва» кисти Юрия Пименова. Как создавалась картина и что хотел сказать автор, рассказывает Снежана Петрова.
Ю.Пименов. Новая Москва. 1937
Сюжет
Москва. Лето. Утро. Молодая девушка едет по своим делам. Это сегодня мы спокойно воспринимаем женщин за рулем. Но в середине 1930-х — это был вызов, бунтарство и символ не только новой Москвы, но и новой жизни.
Героиня — за рулем первого легкового советского автомобиля Газ-А. Его выпускали с 1932-го по 1936-й, пока на смену не пришла новая модель — Газ-М, модернизированная машина собственной конструкции, созданная на базе лицензионного «Форда» типа «фаэтон».
Девушка едет в сторону Манежной площади, откуда в 1935-м началась сталинская реконструкция Москвы. Масштабная перестройка охватила центр города: улицы расширялись, дома передвигались, на месте ветхих зданий вырастали могучие исполины.
Героиня «Новой Москвы» Пименова — за рулем первой советской легковушки
Найденное Пименовым композиционное решение, когда изображение похоже на кадр, было своего рода новаторством. Художник как бы приглашает зрителя посмотреть на утренний город глазами девушки. Быстрый бег автомобиля, светлые краски, обилие воздуха, широта пространства — картина источает оптимизм и надежду на светлое будущее.
Символическое искусствоведение однозначно связывает линию горизонта с темой будущего. В «Новой Москве» такой, вынесенной вдаль, линии горизонта нет. Будущее сконцентрировано на близком плане. Это — комплекс ближайших задач, которые призвано решить общество. А монументальность, высота новых зданий соответствует монументальности и высоте этих задач.
Интересно, что в советском искусствоведении картина Пименова рассматривалась как эталон социалистического реализма, хотя сам художник тяготел скорее к импрессионистам.
Кстати, в середине 1940-х художник вновь использует это композиционное решение, но уже с иным посылом — на картине «Фронтовая дорога» (1944).
«Новая Москва» пропагандировала сталинскую реконструкцию столицы
Ю.Пименов. Фронтовая дорога. 1944
Контекст
К моменту написания картину уже вовсю шла сталинская реконструкция Москвы. Работа над концепцией города будущего, столицы первого социалистического государства, велась с конца 1920-х.
Вот как описывал Лазарь Каганович город до реконструкции: «Пролетариату в наследство осталась весьма запутанная система лабиринтов, закоулков, тупичков, переулков старой купеческо-помещичьей Москвы. Идёт улица как улица, и неожиданно посредине стоит нелепый дом: какому-нибудь Тит Титычу взбрело на ум взгромоздить свой дом как раз посредине улицы или оттяпать у улицы по крайней мере добрых 5−10 метров на выступы своего особняка. С увеличением населения у нас город вырастет до 5 миллионов, с быстрым ростом в городе числа автомобилей и других видов городского транспорта жить будет невозможно, если не перепланировать город, не расширить и выпрямить улицы, не создать новые площади».
В конкурсе на разработку стратегии развития Москвы принимали участие крупнейшие функционалисты со всего мира — Ле Корбюзье, Ханнес Майер, Эрнст Май, Николай Ладовский. К 1935-му был подготовлен и утвержден генеральный план реконструкции города, на реализацию которого отвели 10 лет. Документ предусматривал строительство новых транспортных магистралей и расширение имеющихся, обновление мостов, строительство метрополитена, создание новых парков и пространств для отдыха уровня парка Горького и ВДНХ.
Пименов строил сюжеты картин вокруг примет XX столетия
Расширение улицы Горького (сейчас Тверская), середина 1930-х
Практически все культовые сооружения в районе новостроек были уничтожены, невзирая на их историко-культурную ценность. Всё, что не подлежало переносу и могло мешать движению транспорта, сносили. Сталинская реконструкция Москвы, которую еще называют «градостроительной мясорубкой» должна была сделать столицу витриной коммунистических идеалов и социалистического образа жизни.
Параллельно с этим в СССР шла кампания массовых репрессий и политических преследований. Активно искали и, конечно, находили «врагов народа», которых затем уничтожали или изолировали от достойных представителей пролетариата. Количество жертв за 1937−1938 годы составило около 1 млн человек.
Судьба художника
Кем был Юрий Пименов? Достойным творческим работником Отечества. Закончив ВХУТЕМАС (за этой аббревиатурой, которыми так славился Союз 1920-х, скрывается Высшие художественно-технические мастерские), он вместе с единомышленниками учредил Общество станковистов. Эта организация объединила художников, которые транслировали в своем творчестве идеи социализма и коммунизма, а также связанного с ними грядущего, обязательно светлого, оптимистичного. Прославление трудовых подвигов рабочих и крестьян, бесспорно правильная линия партии, счастливые, сильные, сытые люди — вот это все.
Пименов писал светлый образ Москвы на фоне «большого террора» 1937-го
ОСТ не бралось за революционные темы Гражданской войны, предпочитая «приметы XX столетия»: жизнь индустриального города, промышленное производство, занятия спортом. При этом использовались приемы современного европейского экспрессионизма и импрессионизма, несмотря на то, что они были объявлены формальным искусством буржуазного общества.
Юрий Пименов в мастерской
Пименов в ОСТ был одним из тех, кто призывал пропагандировать в искусстве идеи борьбы за задачи рабочего класса. После распада ОСТ тематика большинства произведений художника связана с повседневной жизнью Москвы, за что в 1960-х он получил Ленинскую премию.
2 апреля в рамках проекта «Смотритель» состоится онлайн-экскурсия с выставки «Россия в пути», которая проходит в Институте русского реалистического искусства. Именно там сейчас находится картина Пименова, и, безусловно, мы не обойдем её вниманием.
Известный русский художник Юрий Пименов примерно за год до окончания Великой отечественной войны создаёт практически живую картину под названием «Фронтовая дорога». Всего за пару лет до этого автором была написана другая не менее известная работа под названием «Новая Москва», которая очень тесно пересекается с картиной военного времени и изображает одно и то же действие главной героини, меняя только лишь окружающий фон.
На двух этих картинах, художник рисует за рулем девушку с такого ракурса, будто мы едем вместе с ней в машине и наблюдаем за происходящим. В «Новой Москве» Пименов демонстрирует свое видение будущего в городе, но после начала трагической эпохи в мировой истории, художник пишет картину «Фронтовая дорога» показывая нам тот же самый город, разгромленный и разграбленный фашистами.
Девушка за рулём автомобиля, по всей видимости, ведёт беседу со своим военным спутником, обсуждая происходящее вокруг. Мимо них проезжают большие грузовики, перевозящие толпы солдат, на обочине лежит разбитая техника. Если присмотреться к деталям, то можно увидеть столб дыма от домов, встречающихся по пути. Исходя из этих деталей, приходит четкое понимание того, что на картине художник изобразил непередаваемую атмосферу непосредственно после боя.
Юрий Пименов в своей знаменитой работе «Фронтовая дорога» очень точно уловил дух военного времени, передав нам эмоции этого поистине трудного периода в истории России и всего мира. Панорама разрушенного города, который на предыдущей картине «Новая Москва» излучал яркое и счастливое будущее заставляет содрогнуться от непредсказуемости ужасных перемен. Красивые новые дома, дорогие машины и толпы людей, спешащих по своим делам, сменились разрушенными зданиями, разбитой военной техникой и пустотой вокруг.
История и описание картины художника Александра Лактионова «Письмо с фронта».
Александр Иванович Лактионов (1910-1972) — советский художник. Известен своими портретами, жанровыми картинами, пейзажами. Самой известной работой Лактионова является картина «Письмо с фронта», о которой мы и поговорим далее.
Картина «Письмо с фронта» была написана в 1947 году. Холст, масло. Размеры: 225 × 155 см. В настоящее время находится в Государственной Третьяковской галерее, Москва.
Что мы видим на картине. Сцена получения родными письма от солдата с фронта. Фронтовик, что стоит на картине слева, который возвратился с войны, принёс семье письмо солдата. По всему видно, что письмо оказалось долгожданным.
Сюжет картины и сама сцена основаны, как это принято сейчас говорить, на реальных событиях, и не являются лишь плодом фантазии и выдумки талантливого художника. Сам Александр Лактионов стал свидетелем этой сцены. Во время проживания Лактионова с семьёй в Загорске, он увидел солдата, у которого была перевязана рука и который опирался на палку. Расспросив солдата, он узнал, что тот ищет дом, чтобы передать письмо с фронта семье. Художник помог солдату найти дом и стал свидетелем той самой сцены, которую мы можем увидеть на картине.
Написание картины заняло у Александра Лактионова целых два года. Также сохранились сведения и о том, кто позировал для героев картины. Солдат — художник В. И. Нифонтов. Женщина — тётя Лактионова. Мальчик и девочка — сын и дочь художника, Серёжа и Светлана. Девушка на заднем плане — соседка.
Картина получила огромный успех. Впервые она была показана в 1948 году на Всесоюзной художественной выставке в Государственной Третьяковской галерее, которая и приобрела её для своей экспозиции. Работа оказалась воспринята настолько хорошо, что печаталась в календарях, журналах, в школьных учебниках и даже изображена на почтовой марке.
История и описание картины «Письмо с фронта»
Великой Отечественной войне посвящено огромное количество литературных и музыкальных произведений, а также картин. Что касается последних, то одной из наиболее известных работ является «Письмо с фронта», автором которой стал советский художник А. Лактионов. «Письмо с фронта» — картина была написана в 1947 году, как раз через несколько лет после окончания войны.
История
Работа «Письмо с фронта» имеет свою историю создания. Идея сюжета появилась еще за 2 года до написания картины. В 1944 году Лактионов и его семья возвратились из Самарканда (там они пребывали в эвакуации) в Подмосковье. Через год после возвращения художник утвердил тематику своей первой последипломной картины, которая должна была называться «Встреча».
Картина «Письмо с фронта»
В первые годы после войны выбор тематики для создания произведений искусства не вызывал каких-либо затруднений, поскольку актуальной на то время для всех без исключения граждан СССР была тема Великой Отечественной войны. Сложно было отыскать человека, у которого не было бы ни близких, ни друзей, ни просто хороших знакомых, не участвовавших в боевых действиях. Однажды в 1945 году А. Лактионов на одной из улиц подмосковного Загорска повстречал на улице молодого фронтовика, который из-за полученных на войне ранений шел, опираясь на трость, и имел перевязанную руку. Солдат находился в поисках необходимого ему адреса для того, чтобы передать письмо, и художник оказал ему помощь. Диалог с фронтовиком оставил неизгладимые впечатления у Лактионова, поэтому тематика его будущей картины была сразу определена — художник пожелал изобразить долгожданное получение весточки с фронта.
Описание
Выбор позирующих художнику людей занял немало времени, так как сам Лактионов хотел изобразить на полотне реального человека, который побывал на фронте. Образ фронтовика, принесшего письмо семье, ожидающей весточки от своего солдата, был написан с В. Нифонтова. Этот мужчина действительно был участником боевых действий (десантник). Семьей, получающей долгожданное письмо, стали жена и дети самого Лактионова.
Работа над картиной заняла у художника 2 года, а точнее, 2 лета. Лактионов стремился изобразить все солнечное тепло и краски лета, поэтому непосредственным изображением задуманного сюжета занимался в летнюю пору.
Эта картина нашла отклик в душах миллионов граждан СССР. Все дело в том, что художнику максимально реалистично удалось передать всю ту радость, связанную с получением долгожданной весточки с фронта от близкого человека. Также акцент был сделан на теплоте взаимоотношений советских людей, которых сплотил пережитый ужас войны, забравшей десятки миллионов жизней. Картина также впечатляет своей реалистичностью и четким изображением деталей.
В 1948 году А. Лактионов получил за свою работу «Письмо с фронта» Государственную премию первой степени им. Й. Сталина. Однако наиболее ценной наградой за труд для художника стал восторг граждан СССР, которые увидели эту картину. «Письмо с фронта» воспроизводилась в печатном виде — работу изображали на страницах советских учебников, в календарях и журналах. В 1973 году репродукция работы была изображена на почтовых марках серии «История советской живописи».